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Jun 19 2023
Historia de La Basílica de San Pedro: la Iglesia más grande del mundo

La Basílica de San Pedro, ubicada en el Vaticano, es uno de los principales lugares sagrados del Cristianismo y una de las iglesias más importantes del mundo. Su construcción comenzó en el año 1506 y se prolongó durante varios siglos, involucrando a destacados arquitectos y artistas de renombre. Es recomendable comprar las entradas para El Vaticano y capilla Sixtina con antelación, hoy en día en plataformas online es muy sencillo.

La Basílica de San Pedro

interior de la Básilica de Pedro

La Basílica de San Pedro está compuesta por diversas partes arquitectónicas y espacios significativos. En primer lugar, se destaca su imponente fachada principal, formada por una serie de columnas que rodean la Plaza de San Pedro. Al ingresar, se encuentran las naves principales de la basílica, con sus majestuosas columnas y capillas laterales. En el corazón de la basílica se encuentra el altar mayor, y detrás de él se encuentra el presbiterio, donde se encuentra la Catedral de San Pedro. 

La basílica fue edificada en el lugar donde, según la tradición, se encontraba el sepulcro del apóstol Pedro. Su nombre original era Simón y, además de ser un pescador de Galilea, fue también uno de los discípulos más cercanos a Jesús en el cristianismo. Según la tradición cristiana, Jesús le dio el nombre de Pedro, que significa “roca”, y afirmó que sobre esa roca edificaría su iglesia.

En sus inicios, la construcción de la basílica estuvo a cargo del arquitecto Donato Bramante, quien diseñó una planta centralizada con una cúpula imponente. Sin embargo, tras la muerte de Bramante en el año 1514, varios arquitectos continuaron el proyecto, adaptando y modificando el diseño original. Entre ellos se encontraban Carlo Maderno y, sobre todo, Miguel Ángel.

Miguel Ángel fue un renombrado artista del Renacimiento italiano, conocido sobre todo por su excepcional talento y por su impacto duradero en el arte y la cultura occidental. Este referente se destacó en diversas disciplinas artísticas como la escultura, la pintura y la arquitectura, y su influencia se extendió por siglos, ya que es el creador de obras maestras como la escultura del David o la pintura del techo de la Capilla Sixtina, desafiando los límites creativos de su época.

Una de sus mayores contribuciones al arte mundial fue la magnífica cúpula que diseñó para la Basílica. Su construcción se llevó a cabo a lo largo de varios años y se completó en 1590. La cúpula se destaca por su imponente tamaño y su estructura arquitectónica ingeniosa, aunque sobre todo por su decoración interior con frescos representativos del Juicio Final, lo que la ha convertido en uno de los símbolos más reconocidos de la basílica y de la ciudad de Roma en su conjunto.

Además de la arquitectura impresionante, la Basílica de San Pedro alberga una gran cantidad de obras de arte, incluyendo la escultura La Pietà, también de Miguel Ángel, y el baldaquino de San Pedro, obra del italiano Gian Lorenzo Bernini, una estructura majestuosa de bronce dorado ubicada en el altar mayor. Estas obras maestras artísticas son un testimonio de la riqueza cultural y espiritual que se encuentra en la basílica.

La historia de la Basílica de San Pedro, en el Vaticano

La historia de la Basílica de San Pedro también está marcada por acontecimientos significativos. Este lugar ha sido elegido para los funerales de numerosos Papas a lo largo de la historia, incluyendo el de Juan Pablo II en 2005. Pero siguiendo con la frase “muerte y resurrección”, también ha sido el escenario para la coronación de varios Papas, uno de los eventos más destacados dentro de la Iglesia Católica.

Pero este escenario también ha sido relevante políticamente, ya que la Basílica de San Pedro ha sido el escenario de visitas de líderes mundiales y figuras destacadas. Algunos de los más destacados que han sido recibidos por el Papa en este importante lugar fueron desde políticos como Barack Obama y John F. Kennedy, hasta líderes religiosos de diferentes tradiciones y confesiones, como el Patriarca Ecuménico de Constantinopla, o el Gran Imán de Al-Azhar, o incluso músicos y compositores como Ludwig van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart.

Recomendaciones

Hoy en día, la Basílica de San Pedro sigue siendo un destino popular para los peregrinos y turistas que visitan Roma. Su grandiosidad arquitectónica, su vasta colección de arte y su significado espiritual la convierten en un lugar de interés incomparable.

Si tienes planeado visitar la Basílica, es recomendable llegar temprano para evitar las largas filas y multitudes. No olvides llevar una identificación válida, ya que es obligatoria para ingresar. Asimismo, ten en cuenta que se deben seguir las normas de comportamiento y respeto dentro del recinto sagrado. 

Por último, aprovecha la oportunidad de subir a la cúpula para disfrutar de una vista panorámica impresionante de la Ciudad del Vaticano.

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Feb 7 2020
¿Cómo hacer PINTURA AL TEMPLE? (¡Con sólo huevo, cerveza y tizas!)

¿Alguna vez se te ocurrió cómo hacer pintura para crear obras de arte, evitando así tener que ir a comprarlas -que tan caras están- en tu librería o supermercado? Es hora de CREAR tu propia pintura, algo bastante sencillo de hacer en tu casa o el laboratorio de tu escuela (quizás es una linda idea para los maestros: a los chicos les va a encantar). Usando un poco de ciencia y contenidos relacionados con suspensiones (sistemas heterogéneos), el arte surge de repente en un camino asombroso por seguir. ¡Adelante!

Consejo: si no cuentas con alguno de los materiales necesarios, puedes suplantarlos fácilmente por herramientas que cumplan la misma función.

Objetivo:

Obtener pigmentos útiles para ser usados como pintura a partir de huevo, cerveza y tizas de colores.

Materiales:

Materiales para experiencia de Pintura al Huevo.
Todos los materiales necesarios para la experiencia en el aula-laboratorio.

Los materiales necesarios para realizar los pigmentos serán:

Tiza rallada de diferentes colores.
2 ó 3 yemas de huevo.
50 ml de cerveza.
Tapitas de frasco.
Block de hojas canson.
Gotero
Hisopos
Espátula
Pinceles[note]Los pinceles son prescindibles. Puedes sustituirlos por varios hisopos para poder pintar.[/note]

Materiales para Experiencia de Pintura al Huevo.
Todos los materiales necesarios para realizar Pintura al Huevo. De izquierda a derecha: pinceles, espátula, gotero, yemas de huevo, hisopos, tapas de frasco, cerveza, hojas blancas, polvo de tizas de colores.

Procedimiento:

Aclaración: lo escrito en color violeta puede ser preparado anteriormente por el ayudante de laboratorio, docente a cargo o adulto responsable, con el fin de evitar que los menores de 18 años tomen contacto con la cerveza.

  1. Separar la clara de la yema de 2 ó 3 huevos y reservar, solamente, las yemas de huevo.
  2. Colocar 50 ml de cerveza en el recipiente con las yemas de huevo y batir con la espátula hasta obtener una suspensión homogénea a la vista, tal como muestra la figura.
Suspensión homogénea.
  1. Refrigerar la mezcla por 30 minutos antes de continuar con la experiencia. En días fríos, el tiempo de refrigeración puede ser menor.
  2. Colocar tiza rallada de diferentes colores en sendas tapas de frascos.
  3. Con un gotero, echar la suspensión de yemas+cerveza al polvo de tiza y homogeneizar con el hisopo hasta que se forme una mezcla bien colorida y sin grumos. Esta mezcla será el pigmento que se utilizará sobre el papel.
  4. Con pincel (o con hisopos), pintar sobre la hoja en blanco utilizando las diferentes pastas de colores, como se ve en la figura.
Comenzando la pintura, a base de tiza verde.

Algunas obras de niños y adolescentes

Hechas a base de la Pintura al Huevo de Ensamble de Ideas.

Pintura al temple terminada, a base de tiza, huevo y cerveza.
Pintura al temple terminada, a base de tiza, huevo y cerveza.

Mesografía Sugerida

En el portal “Pinturas y Artistas” podrás encontrar información histórica sobre la pintura al temple. ¡Te la recomendamos! Disponible en https://www.pinturayartistas.com/temple-tecnica-pictorica-historica/

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Jul 31 2018
Los COLORES según la FÍSICA

Los colores

Los colores encantan a todos. Los bellos colores que vemos en un paisaje primaveral, con rosas de múltiples colores (no sólo rosadas), o en un paisaje otoñal (donde las hojas de los árboles exponen los amarillentos pigmentos que presentan, debidos a la xantofila y los carotenos), exponen la maravilla de la luz, un tipo de energía que se transmite en forma de ondas electromagnéticas[note]Hoy en día se acepta la dualidad onda-partícula, según la cual la luz se comporta como ondas o como partículas, dependiendo la experiencia tratada.[/note].

La luz blanca está compuesta por todos los colores del arcoiris y esto puede ser demostrado fácilmente haciendo pasar un haz de luz blanca por un prisma, como lo hizo Isaac Newton durante sus estudios sobre óptica. Es éste, justamente, el principio por el cual se forman los arcoiris: las pequeñas gotas de agua actúan como prisma que separa la luz blanca del sol en los siete colores del arcoiris, rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta, brindándonos un espectáculo único.

Colores del arcoiris.
Los siete colores del arcoiris, rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta

Ahora bien, volvamos a la imagen de nuestro paisaje primaveral. ¿A qué se debe que algunos objetos se vean del color que son? ¿Pueden ser vistos de otros colores sin cambiar ninguna propiedad del objeto? Para responder estas preguntas, tengamos en cuenta lo dicho anteriormente: la luz blanca está formada por todos los colores del arcoiris.

Por otro lado, también tengamos en cuenta que cada color representa una longitud de onda diferente para el espectro visible. ¿Longitud de onda? ¿Espectro visible? ¿Qué es todo eso? Si estas palabras no te suenan, te sugerimos echarle una vista a las características de las ondas electromagnéticas haciendo click aquí.

Refracción.
Refracción de la luz.

Continuemos con la idea. Cuando un frente de ondas de luz blanca incide sobre un objeto que es, por ejemplo, de color verde, ese objeto absorbe todas las longitudes de onda que componían a la luz blanca, menos las longitudes de onda que correspondan al color verde.

En otras palabras, los colores “rebotan” en el objeto, exceptuando el color del que se ve. Así, si un objeto se ve azul, será porque éste absorbe todas las longitudes de onda correspondientes a los otros colores, menos el azul. Al reflejar las longitudes de onda correspondientes al azul (las cuales llegarán a nuestros ojos), el objeto se ve azul.

El caso particular de los objetos blancos y negros.

¿Qué sucede con un objeto que es blanco o que es negro? Un objeto blanco refleja toda la energía radiante que incide sobre él. Es por ello que la ropa blanca es la más apropiada para usar en verano, pues al reflejar la energía proveniente del Sol, se evita insolaciones y que la persona se acalore fácilmente.

Por otro lado, un objeto negro absorbe todas las longitudes de onda. Es por ello que, durante el invierno, la ropa tiende a ser oscura, pues así la persona retiene la mayor cantidad de energía proveniente del Sol, tan importante durante un tiempo frío.

Actividad

En base a esta información, te proponemos una pregunta, que puedes respondernos en los comentarios:

Una lata de gaseosa de una marca “X” es negra. La empresa libera al público una versión dietética de la gaseosa, llamada “X Light”, cuya lata es blanca. Tú decides poner a prueba sus sabores (para ver si realmente son iguales, como tanto publicitan) tomándolas bien frías en un mediodía de verano. Antes de tomarlas, te llaman por teléfono y dejas tus latas al sol por no más de tres minutos. ¿Cuál de las dos versiones de gaseosa piensas que ha subido su temperatura a mayor velocidad? Justifícalo en base a lo visto en este artículo.

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Abr 22 2018
La cultura CELTA: Sociedad, Historia, Arte y Religión
Imagen de la cultura celta
Imagen de la cultura celta

La cultura celta – Introducción

En este artículo hablaremos un poco acerca de una rica cultura que muchas veces queda olvidada. Intentaremos, en pocas líneas, resumir sus características principales. Anímate a adentrarte en este fascinante mundo de la historia celta.

La historia de los celtas: desde los principios hasta el declive de un pueblo.

Los celtas pertenecían a la población europea y fueron los primeros que se separaron de la rama madre de Asia. Conducidos por alguno de sus caudillos o reyes, fundaron, en Europa central, un poderoso mas poco conocido imperio, el cual fue -en parte- desalojado por los escitas que los empujaron hacia Occidente. Buscando compensación por los territorios perdidos, arrebataron a los ligures el Centro y Norte de la Galia, llegaron a las Islas Británicas y entraron también a la Península Ibérica a principios del siglo V a.C., donde vivían fenicios e iberos.

Lucharon contra los etruscos en el norte de Italia y llegaron, en sus conquistas, hasta el Asia Menor. Durante el Siglo III a.C., por causas aún desconocidas, el Imperio Celta perdió su unidad y desapareció como imperio.

No obstante, sus restos, en los que actualmente es Francia, España e Italia -entre otros países-, resistieron a las legiones romanas en España. Posiblemente se encontraron con los Pirineos y, después de extenderse por el Norte y Oeste, siguieron haciéndolo por el Centro y Sur, donde llegaron a fusionarse con los iberos, dando lugar a la población celtibera (este nombre, de hecho, se daba antiguamente a la parte central de España, en especial, a la región de España Terraconense), quedando los celtas en Lusitania, Galicia, Asturias y Cantabria.

¿Cómo era la población celta?

Era una población guerrera, que, en tiempo de paz, se dedicaban a la caza y la pesca, quedando al cuidado de las mujeres los quehaceres agrícolas y domésticos. Las cosechas se repartían por igual entre todos los ciudadanos. En cuanto a los ciudadanos, estaban divididos en cuatro categorías sociales, que correspondían a sacerdocio, la nobleza o jerarquía guerrera, el pueblo y los esclavos.

Fotograma de la película "Corazón valiente
Fotograma de la película “Corazón valiente”, que retrata a la población guerrera de los celtas.

La religión de los celtas.

Principalmente, su religión era un panteísmo materialista. Creían en la transmigración de las almas y la existencia de otra vida después de la muerte. Adoraban a los astros y a los dioses superiores que, pensaban, tenían suficiente poder para influir en su destino favorablemente. Sus cultos la practicaban en la cumbre de una montaña o en la espesura de los bosques. Hacían sacrificios humanos a sus divinidades.

Iglesia celta
Iglesia celta

Un poco de información sobre el arte celta.

Este pueblo dejó numerosas muestras de su arte, tales como tejidos de esparto, pinturas rupestres, monumentos megalíticos (dólmenes, menhires, talayotes, taulas, etc.), agujas y otros objetos de hueso labrado, vasijas de barro cocido al aire libre, entre otros.

Fuente: Diccionario Enciclopédico Ilustrado. Ed. Ramón Sopena.

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Feb 22 2018
Los neandertales pintaron obras de arte hace 64.800 años.

Los neandertales y su arte

Las obras de arte rupestre más antiguas del mundo las hicieron los neandertales hace 64.800 años. Esta habilidad de tener pensamientos simbólicos y poder, luego, volcarlos en un soporte, se creía propia de los Homo sapiens, nuestros antepasados directos. Estas pinturas encontradas por investigadores de Reino Unido, Alemania, España y Francia fueron hechas 20.000 años antes que las más antiguas que se habían encontrado.

neandertales y su arte
La vida de los antepasados homínidos.


La Universidad de Southampton y el Instituto Max Planck de Antropología Evolutiva estuvieron al frente de este descubrimiento. Los trabajos se han hecho sobre figuras rupestres sencillas, como discos, trazos escaleriformes, puntos y manos en negativo, de unas 60 muestras en las cuevas de La Pasiega (Cantabria), Maltravieso (Extremadura) y Ardales (Andalucía). Las pinturas corresponden a un conjunto de plantillas rojas de manos.

Pinturas realizadas por los neandertales
Pinturas realizadas por los neandertales / Fotografía de Revista Science


El crecimiento de la capacidad cerebral (junto con las actividades que debían realizar para sobrevivir) permitieron la adaptación de los homínidos, incluyendo el manejo de herramientas, hace millones de años. Se supone que un grupo de antepasados del Homo sapiens comenzó a utilizar rocas como herramientas hace unos 2,3 millones de años. Con el descubrimiento llevado a cabo por los investigadores recientemente, publicado en la revista Science, destrona al Homo sapiens del primer puesto entre los pioneros de la pintura rupestre.

Ahora, las evidencias demuestran que los Homo neanderthalensis, (nombre científico del neandertal, homínido que habitó Europa, Próximo Oriente y Medio y Asia Central hace unos 230 000 a 28 000 años atrás, aproximadamente, y que presenta un ancestro común con el Homo sapiens, el Homo heidelbergensis del Viejo Mundo) habrían sido primeros en pintar en las cuevas, según indican las muestras que se tomaron en diciembre de 2014 y abril de 2016 y que fueron analizadas por el grupo de Marcos García Díez, profesor de la universidad Isabel I de Burgos; Alistair Pike, profesor de la Universidad de Southampton; y el profesor alemán Dirk Hoffmann del Instituto Max Planck de Antropología, entre otros.

Los neandertales pintaron obras de arte hace 64.800 años. – Ensamble de Ideas – Copyright MMXXII

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Feb 27 2017
Introducción Arte Romano en sus distintas modalidades

INTRODUCCIÓN

Introducción al arte romano
Introducción al arte romano

La civilización romana se extiende desde el siglo VIII a. C. hasta el siglo V d. C. Sin embargo, el arte romano tiene su auge desde fines del siglo I a. C. hasta el primer siglo de nuestra era. Su decadencia tuvo lugar en el siglo cuarto.

El arte de Roma, por otra parte, tuvo influencias de otras civilizaciones: la etrusca y la griega. Esta última tuvo varias causas determinantes: la translación de su arte (desde Atenas a Roma) y el resplandor alcanzado por éste en Grecia, la instalación de los artistas griegos en Italia, la imitación de los órdenes griegos y el hurto de las obras del arte griego por parte de los romanos.

coliseo romano
Coliseo Romano

El arte romano es sus distintas  modalidades

Arquitectura romana

La arquitectura romana empleaba de manera constante varios elementos característicos: la bóveda, el aparejo etrusco, entre otros. Se reforzaron los soportes verticales, se eliminaron las columnatas internas y se varió la composición de los planos. El más frecuente fue el plano circular.


La arquitectura posee particulares tales como la búsqueda de la utilidad, la grandeza material, la búsqueda de la fuerza, la afirmación del carácter y la impresión de duración (a diferencia del arte griego, que sólo buscaba la belleza, las proporciones y la búsqueda de la forma). Para los romanos, el arte no era más que un instrumento, un modo de asegurar su imperio…


Los principales monumentos del arte romana son: los Templos, las Basílicas –edificios destinados a reuniones de negocios–, las Termas, los Anfiteatros, los Circos, los Teatros –con peculiaridades como la falta de carácter religioso, la amplitud de la tribuna, etcétera–, los Acueductos, los Puentes, los Caminos, el Foro –plaza pública rodeada de pórticos y edificios religiosos y civiles– los Palacios y las Tumbas.


Se imitaron, además, órdenes griegos: el dórico se transformó en toscano (sin estrías, cuyo capitel se complicó con anillos), el jónico (con capitel reducido en la altura), el corintio (el más empleado, con capitel decorado con el acanto blando y a veces con hojas de olivo) y el entablamento corintio (cargado de molduras y bajorrelieves esculpidos). Hubo una creación romana, el orden compuesto, que era una mezcla del orden corintio y del jónico. La ordenanza romana poseía varias particularidades: la superposición de órdenes, el empleo de la arcada y las columnas yuxtapuestas a la arcada.


Las casas romanas, caracterizadas por la existencia de un patio o atrium, no tenían chimeneas ni decoraciones, había pinturas sobre las paredes de las salas, fuentes de mármol, partes de mosaico, un pequeño “altar” para los dioses del hogar (llamado tablinum), dormitorios, un comedor, etcétera.

Arena de Verona
Arena de Verona

Escultura romana

La escultura griega tuvo una gran influencia sobre la romana. La misma conformaba las distintas escuelas entre los romanos: la Escuela Asiática (escultores de Asia Menor), la Escuela Ática y la Escuela Arcaica (llamada de Pasiteles).


Los distintos géneros de la escultura de estilo romano fueron: las estatuas mitológicas y alegóricas, los retratos (en busca de la verdad y la semejanza), los bajorrelieves históricos y los monumentos funerarios. Esta última consistía en retratos del difunto en un medallón, motivos ornamentales, representaciones del oficio del difunto, imitaciones de las pinturas de Pompeya y escenas de leyendas helénicas (alusiones a la muerte).

Augusto de Prima Porta
Augusto de Prima Porta

Pintura romana

Con respecto de la pintura romana, se destaca que en los principios la imitación por el color y en engaño de relieves arquitectónicos era clara, característica perdida más tarde, pues no existió más verosimilitud, se falseó la perspectiva,  etcétera.


El arte fue frívolo, gracioso, imaginativo y fantasioso. Se representaron escenas mitológicas; los ornamentos pequeños fueron más numerosos.

Pinturas de Pompeya
Pinturas de Pompeya

Arte decorativo romano

Por otra parte, el arte decorativo se favoreció con el progreso de la riqueza y el lujo romano. Los ornamentos eran griegos, pero más cargados. El acanto romano tenía hojas carnosas, cortas y anchas.


El mosaico poseía dos géneros: el geométrico y el pintoresco (esta última era una reproducción de perspectivas y de cuadros).


La ornamentación era de metal, los pies de los muebles estaban hechos de discos superpuestos, las mesas poseían formas variadas (con pies en forma de patas de león) y las sillas tenían un respaldo inclinado y redondeado.
Por otro lado, en el arte de Roma se destacan también la orfebrería, las monedas (soberbias con efigies y retratos), la joyería, la cristalería y la cerámica.

Mosaico Romano
Mosaico Romano

Arte romano – Ensamble de Ideas – Copyright MMXXII.

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Feb 27 2017
El arte político según Berni en la Década Infame.
Resultado de imagen para antonio berni El arte político según Berni
Antonio Berni (Rosario, 14 de mayo de 1905 – Buenos Aires, 13 de octubre de 1981)

Antonio Berni y el arte político a través de sus obras en la década infame.

Antonio Berni (1905 – 1981) es uno de los más destacados artistas de esta época y ha dejado un increíble legado de pinturas que enfatizan su postura izquierdista durante los diferentes gobiernos de la década del 30.

Si el hombre es, por naturaleza, un animal político, Antonio Berni supuso que «todo arte y todo artista son, en última instancia, políticos»; o, por lo menos, que «todo arte admite también una lectura política», según dijo alguna vez. La multiforme y vasta obra de Berni constituye un exponente incuestionable de arte político. Muchas de las fuentes a las que hemos accedido comparten la idea de que Antonio Berni es uno de los grandes maestros que dieron origen al arte político. Debido a esto, consideramos importante el siguiente afirmación que el mismo pintor ha pronunciado: «En mi caso, lo reconozco, pienso que la lectura política de mi obra es fundamental, que no se la puede dejar de lado, y que si se la deja, no puede ser comprendida a fondo; es más, creo que una mera lectura esteticista de mi obra sería una traición».


Esto es sólo una introducción al verdadero concepto de arte político, que aquí explicaremos, en relación con la obra de los más destacados pintores que expusieron la realidad social de la década infame en sus pinturas. El arte político no es, entonces, una forma de propaganda realizada a favor de algún partido político, una ideología o un gobierno. El arte político cuestiona y exhibe según las vivencias del artista la mencionada realidad social: toda actitud y todo comportamiento que incida y recaiga sobre las estructuras generales, mentales e instituciones de una sociedad es acción política y puede desarrollarse y reflejarse en el arte de la época, por el simple hecho de que el artista lo percibe y refleja su mundo interior en el arte.

"Manifestación" de Antonio Berni El arte político según Berni
“Manifestación”, de Antonio Berni. Fecha: 1934. Técnica: Temple sobre arpillera. (1.8 m x 2.495 m)


Estos son las bases del “arte de lo político”. Berni al explicar sus obras que sintetizaron de manera subjetiva el drama social de la llamada “Década Infame”, expresó las palabras que abrieron el presente trabajo: «Sucede que en un país como el nuestro, el desarrollo de la pintura no puede estar desligado del desarrollo general de la sociedad. Sin un desarrollo integral, no hay pintura desarrollada. (…) En esa época yo pensaba –y lo sigo sosteniendo–, que la función del intelectual es esclarecer las conciencias. No es que el intelectual o el artista sean decisivos en la economía o en la política, pero forman parte.»

Diremos entonces que, según Berni, el arte debe estar comprometido a reflejar, de algún modo, la realidad que circunda al artista.

«Sucede que en un país como el nuestro, el desarrollo de la pintura no puede estar desligado del desarrollo general de la sociedad.» Antonio Berni (1905 – 1981).

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